Princípios de edição de vídeo para propagandistas benevolentes

CJFP 04 - 28 de junho de 2024

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Leia até o fim para obter uma recomendação de uma ferramenta que reduziu meu tempo de edição pela metade.

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Como prometido, esta semana não tem nada a ver com Apple ou Inteligência Artificial. 

Esta semana, estou voltando às minhas raízes e discutindo uma forma de arte que muitas vezes pode ser considerada excessivamente técnica por aqueles que nunca a fizeram e excessivamente simples por aqueles que a fazem com maestria. 

De uma perspectiva abstrata, o que é edição de vídeo? No cinema, a capacidade de projetar e exibir imagens em movimento permite-nos reviver momentos fora do tempo. Através do poder da edição, podemos moldar esses momentos e exibir nossos sonhos de maneira eficaz. Um filme é isso, o sonho do diretor. No entanto, embora uma câmera estacionária apontada para a realidade não filtrada possa transmitir significado, essa imagem mostrada em conjunto com outras imagens pode transmitir um significado adicional e excedente que não está presente em nenhuma delas. 

Deixe-me explicar. 

O ato de editar é tão onipresente hoje em dia que passa despercebido por nós, mas acho que vale sempre a pena lembrar que cada texto, imagem, filme, etc. com o qual entramos em contato quase certamente foi ajustado para se alinhar mais de perto com um propósito ou mensagem que devemos absorver sem estarmos conscientes de que estamos fazendo isso. Na medida em que raramente temos vislumbres “crus” da arte, a edição representa uma forma de meta-arte. É o mediador entre nós e a primeira tentativa de um artista de transmitir a experiência humana. Assim como os pintores há milênios praticam suas obras-primas em telas alternativas ou cobrem manchas com novas camadas, a arte da edição é usada para alinhar uma obra de arte com a visão original de seu criador.

Em 1929, o cineasta e teórico do cinema soviético Lev Kuleshov conduziu um experimento sobre os efeitos da edição de filmes na transmissão de significado. O experimento foi relativamente simples para os padrões modernos. Lev tinha uma foto única e precisa de um homem inexpressivo que interpretaria para o público. Porém, para públicos diferentes, ele intercalava essa cena com outras, como uma tigela de sopa ou uma mulher deitada em um caixão ou sentada em um sofá.

Após cada projeção, quando o público era solicitado a descrever a expressão do homem, se mostrasse a tigela de sopa, responderia “com fome” ou, se mostrada, a mulher responderia “tristeza” se fosse para o caixão e “luxúria” se fosse para o sofá.

O que esta experiência mostrou foi que uma sequência de imagens pode conter não apenas um significado explícito, mas também um significado implícito. Mencionei esse fenômeno há alguns boletins informativos, mas é algo que qualquer pessoa que trabalha com vídeo deve estar ciente, para não dar acidentalmente a impressão de que seu assunto é sensual, quando deveria transmitir fome. 

Uma cena de um homem olhando diretamente para a câmera e uma cena de uma tigela de sopa transmitem significados explícitos: "Este é um homem diante da câmera, ele é o sujeito desta cena. Seu olhar é misterioso" e "Esta é uma tigela de sopa sobre uma mesa. Suas origens são desconhecidas". Se mostrado em sequência, implicitamente um novo significado é transmitido: “Este homem está olhando para esta tigela de sopa” e convida à especulação. Ele quer a sopa? Ele fez a sopa? No que a sopa o está fazendo pensar?

Essa lacuna de curiosidade é onde vive todo o marketing criativo, mas talvez esse seja um assunto para um boletim informativo futuro.

Esse fenômeno é frequentemente chamado de “Efeito Kuleshov” ou como a interação de duas imagens pode transmitir significados que não estão explicitamente contidos em nenhuma delas. 

Sem nenhuma ordem específica, a seguir estão alguns truques ideológicos que aprendi ao longo dos anos em relação à edição de vídeo e que acredito que podem ajudar qualquer pessoa que trabalha com vídeo a levar sua arte para o próximo nível. Não se trata de qual software você deve usar ou dos detalhes de um cross-fade, mas sim de como um editor profissional deve pensar sobre o significado que seu trabalho transmite, inconscientemente, sem querer explicitamente e como usar esse efeito em seu benefício. 

Cortes de pular e esmagar

A regra geral na edição é que cada cena deve conter algum tipo de continuidade com a cena anterior. Cada cena deve estar mais ou menos no mesmo local, utilizar mais ou menos os mesmos personagens e ter mais ou menos o mesmo tom de cena a cena. Desviando-se desta regra, “saltar” para um plano que nada tem em comum com o anterior pode ser desorientador ou sinalizar uma mudança de cenário. Ou, se feito com atenção, pode expressar um significado simbólico.

Colocar a imagem de uma lareira após a imagem de uma árvore sinaliza destruição. Esteja atento a isso e nunca faça isso acidentalmente. Não corte da sala de jogos infantil para a lareira se estiver filmando um vídeo imobiliário. Se estiver filmando um comercial de hambúrguer, nunca corte para vacas. Se estiver filmando um documentário sobre mudanças climáticas, considere contrastar uma cena de uma rodovia cheia de trânsito com uma de uma enchente repentina ou um incêndio florestal. 

O comprimento de uma cena transmite significado

A cena final do filme The Graduate dura desconfortavelmente longa. Isso é feito de propósito para transmitir um significado, uma sensação de desconforto. Os documentários sobre a vida selvagem mantêm as filmagens o maior tempo possível para que o espectador possa absorver sua majestade e apreciar sua dificuldade. Se você está cortando suas fotos para economizar tempo, você está perdendo o significado e sinalizando ao seu público: “Esta imagem não deve ser considerada”. 

Mas talvez seja isso que você deseja! Mais sobre montagens mais tarde.

Teoria das Cores

Embora a ciência dos efeitos da teoria das cores sobre o humor seja confusa, o impacto da seleção de cores no significado pode ser facilmente observado. Considere os filmes que você pode ter visto no México. Que cor lhe vem à mente? Laranja. E os filmes ambientados no antigo bloco soviético? Um azul pálido. Essas escolhas de cores não apenas sinalizam um local específico, mas também sinalizam um significado: hostil e desolado ou sombrio e depressivo. 

Assim como os filmes antes não podiam contar com o diálogo, os filmes nem sempre podiam contar com a cor para tornar uma imagem interessante. A cor é um privilégio, use-a a seu favor.

Não presuma que uma determinada cor transmitirá automaticamente um significado específico. Você tem que colocar essa cor no contexto para dar-lhe significado. A luz verde do outro lado do lago em O Grande Gatsby simboliza apenas a ganância por causa do contexto mais amplo da história. O sinal verde em um filme de Velozes e Furiosos pode simbolizar ambição, por exemplo.

A cor não é um poder pronto para ser liberado, é uma ferramenta a ser exercida ou revogada conforme melhor se adequar aos seus propósitos.

Se você usa fontes, saiba o que está fazendo

Algo que aprendi em uma aula de Publicidade 101 foi que as fontes não são arbitrárias. Essa ideia ficou comigo e passou a informar como vejo a arte em geral. As fontes digitais são descendentes das fontes físicas, que eram carimbos de letras projetados para uso em impressoras. Várias publicações desenvolveram vários estilos de tipos para suas distribuições. Inerente a cada fonte está uma história inconsciente, mesmo que seja uma replicação digital. Você pode escolher uma fonte porque ela “parece bonita”, mas ela pode ter sido projetada para uma finalidade específica e seu design pretende transmitir esse significado.

Se estiver indeciso sobre uma fonte, medite sobre seu projeto e procure uma fonte com uma história semelhante. Até a Comic Sans tem hora e lugar. 

Você provavelmente não precisa de efeitos especiais

A marca de um editor amador é confiar fortemente em gráficos e efeitos especiais para compensar a falta de previsão. Uma foto estável e imutável pode facilmente ter mais impacto do que uma com várias sobreposições e efeitos gráficos, se for bem enquadrada. O truque aqui é o planejamento e o conhecimento da sua câmera. Faça um roteiro, tenha uma ideia antes de iniciar a produção e saiba como conseguir looks específicos na câmera.

Pode haver mérito em “Vamos rolar, ver o que acontece e consertar o que precisamos fazer na postagem”. Mas se você tiver tempo, considerar sua seleção de fotos e como fazer uma foto simples, rica em significado e bem iluminada, fará mais por você do que uma assinatura do After Effects jamais fará.

Seu áudio e vídeo devem ser independentes

Assim como aconteceu com as cores, a adição de áudio ao vídeo foi revolucionária. Antes de 1927, os filmes eram exibidos ao lado de bandas ao vivo que tocavam suas trilhas sonoras. O diálogo falado foi renderizado como texto em cartões de slides mostrados depois que um ator moveu a boca. Hoje em dia, é dado como certo o fato de que tanto o áudio quanto o vídeo são um único objeto independente, em vez de dois meios independentes, muitas vezes mostrados juntos. 

O truque aqui é este: seu áudio e seu vídeo devem ser independentes um do outro. Se você retirar o visual, sua mixagem de som deverá ser agradável de ouvir e transmitir significado, mesmo que seja apenas música. Seus recursos visuais devem ser interessantes e carregados de significado o suficiente para serem mostrados silenciosamente, sem induzir ao tédio. 

Muitas vezes vejo algo que é filmado lindamente, mas que parece atroz. Não deixe que a prevalência da reprodução automática e silenciosa de vídeos nas redes sociais faça com que você esqueça que o áudio é metade da experiência de vídeo. 

Uso Eficaz dos Cortes J e L

Para os não iniciados, os cortes J e L descrevem a direção do deslocamento quando você desalinha propositalmente o vídeo e o áudio em um corte específico. Se sua cena estiver terminando e você trouxer o áudio da cena seguinte antes que o vídeo mude, isso é chamado de corte J devido ao formato que ele cria na linha do tempo de edição. O oposto, trazer o vídeo da próxima cena enquanto retém o áudio da cena anterior é chamado de corte L pelo mesmo motivo.

Os cortes J tendem a ser mais comuns do que os cortes L, mas ambos compartilham o ponto em comum de pegar o público desprevenido e forçá-lo a considerar onde está na história, o que está acontecendo e por quê. Essas técnicas podem ser utilizadas para efeito cômico, como no caso de um personagem mencionar que precisa ir ao banheiro, ao som de água corrente e depois cortar para um rio. Também pode ser usado para efeitos dramáticos, como dois personagens compartilhando um adeus choroso em uma plataforma de trem, um corte para o trem saindo da estação enquanto seus soluços da cena anterior ainda podem ser ouvidos. 

Os métodos subjacentes aqui são acentuação e contraste. Use cortes J e L de forma criativa para explorar cenas com visuais ou sons icônicos e como eles podem ser simbolicamente contrastados entre si. Costuma-se dizer que quando os cortes J ou L são feitos corretamente, o público não os notará. Acho que isso é verdade até certo ponto. O público não deve notar o corte em si, mas deve sentir um aumento na curiosidade, mesmo que não tenha conhecimento do catalisador. 

Comece a agir

Isso aprendi em meus estudos de graduação. É uma ótima dica para qualquer tipo de narrativa criativa, seja escrita ou videografia. Ouve-se frequentemente falar de “rolhas de polegar” hoje em dia. Geralmente está implícito que isso é algo aleatório, chocante ou fora do comum. Algo que quebra o ciclo de rolagem estúpida do telefone de alguém. 

Posso pensar em muitas coisas grosseiras que impediriam meu polegar, mas certamente não me levariam a um produto ou serviço, então deve haver mais do que isso.

A tática em geral é boa para se ter em mente, mas pode ser abordada de diversas maneiras diferentes. Uma delas começa no meio da história, e não no início. Compare um filme como Star Wars, que começa com uma parede literal de texto, com um filme de Indiana Jones ou James Bond, que corta para a história “em andamento” e dá uma sensação de vivacidade.

Você não quer apenas impedir o descontentamento deles, mas também despertar o interesse deles. Observe como os comerciais de remédios quase nunca começam com o problema, seja azia ou depressão. Eles começam em uma festa de aniversário ou em um jogo de pega-pega e, em seguida, ocorre um desastre.

Comece sua cena no meio do tiroteio e crie uma “lacuna de curiosidade”. Uma pergunta tácita que seu público não pode deixar de se perguntar. Quem são essas pessoas? Por que esta situação aconteceu? Essas são boas perguntas. O que é isso e por que me importo? Esses são menos bons, então certifique-se de dar ao seu público algo em que se agarrar, como um nome ou um local.

Conheça seu público. Se eles estiverem com pouca atenção, renuncie a uma configuração elaborada para deixar seu público bem no meio da ação em andamento. Confie que eles são inteligentes o suficiente para se orientarem na história e você fará algo que eles vão adorar. 

Diga / Veja

Mais um dos meus estudos de graduação. Aprendi a contar histórias em relação ao videojornalismo. Neste campo, um dos elementos mais importantes da produção de vídeo é evitar que o seu público fique confuso. Você pode fazer muito para manter seu público onde deseja, garantindo que tudo o que está sendo exibido na tela seja mencionado em seu diálogo. Se você está falando sobre isso, seu público deveria estar vendo.

Agora, esta não é uma regra rígida e rápida. Pode ser quebrado com grande efeito, mas deve-se saber o que está fazendo se decidir fazê-lo. Se estou falando de maçãs, mas na tela, o público vê melancias e, em suas mentes, começa a se perguntar qual é a conexão entre maçãs e melancias. Isso pode desviar a atenção do seu ponto principal ou, se for feito propositalmente, pode ser exatamente o que você deseja. Se estiver discutindo o trânsito intenso nas cidades, por exemplo, uma colônia de formigas pode ajudar muito a incutir alguma emoção em seu público. 

Corte de continuidade

Isso é mais uma mentalidade do que uma técnica tangível. Quando estiver no set, se estiver procurando maneiras de apimentar a criatividade em seus vídeos, procure sempre maneiras simples de conectar temas ou movimentos de uma cena para a outra. Terminou uma cena panorâmica atrás de uma parede? Comece a próxima panorâmica atrás de uma parede. Terminou a cena anterior com alguém cantando uma música? Comece o próximo com alguém desligando o rádio. Terminou uma cena com alguém jogando uma panqueca no ar? Comece o próximo com alguém colocando um chapéu na cabeça.

Os cortes de continuidade podem ser continuações de movimentos ou podem ser continuações simbólicas. Eles podem ser usados ​​para facilitar a entrada do público na próxima cena ou para despertá-lo. 

Se você usar transições padrão, saiba o que está fazendo

Se você já usou software de edição, deve ter notado que a maioria vem com uma série de transições integradas para usar entre as cenas. Em geral, meu pensamento é que eles são extremamente cafonas para uso em apresentações do PowerPoint, quanto mais em seus projetos de vídeo. Na minha experiência, 95% das vezes, um simples corte de salto funciona muito melhor. 

Dito isso, da mesma forma que as escolhas de fontes, essas transições padrão podem ter um momento e local apropriados, embora poucos e distantes entre si. Assista aos filmes de Star Wars, se ainda não o fez recentemente, para entender o que quero dizer. Eles são tão cheios de cartões apagados e crossfades que parecem a primeira vez que alguém usa o iMovie, mas praticamente inventaram esse estilo. Os filmes Star Wars possuíam esse estilo tão bem que a razão pela qual foram incluídos no software hoje é uma homenagem a eles.

A montagem

Essa é outra tática para parar o polegar. Claro, todo mundo conhece a montagem de treinamento de Rocky, que é realmente o epítome de uma montagem. Uma série de pequenas vinhetas muitas vezes pode fazer um trabalho melhor e mais rápido de contar uma história complexa do que uma exploração aprofundada. No entanto, esta é uma linha tênue a ser percorrida porque você corre o risco de menosprezar uma grande quantidade de suas fotos, expondo o público a elas antes que eles tenham a chance de apreciá-las detalhadamente. Na verdade, só usei montagens ao editar bobinas crepitantes ou quando tenho uma grande quantidade de filmagens em excesso. 

Considere a evolução dos vídeos de culinária. Os vídeos de culinária nas redes sociais de hoje são normalmente muitos atalhos de vários ingredientes sendo preparados de várias maneiras, com um VO único tocando sobre eles. Tenho certeza de que não sou o único que acha esses vídeos difíceis de acompanhar se estou realmente preparando a receita. Nas redes sociais, assim como na televisão, existem dois tipos de programas de culinária: aqueles que visam entreter e aqueles que pretendem educar. Os programas divertidos são rápidos e bonitos, os programas educativos são lentos e às vezes feios. Os vídeos de culinária do TikTok são difíceis de acompanhar porque não foram feitos para ser assim. O show de Rachael Ray não dura 30 segundos porque não era para ser.

Mais uma vez, tente conhecer seu público. Se você não consegue conhecer seu público, pelo menos conheça seu conteúdo e propósito. Entenda o que você está oferecendo a eles. Você está tentando entreter ou educar? Neste último caso, talvez uma montagem não seja para você. No primeiro caso, considere a montagem uma ferramenta para acostumar seu público a uma longa história muito rapidamente.

Som Nat / Som Diegético

Outra consideração dos meus tempos de jornalista vem dos noticiários televisivos. Muitas reportagens começam com uma frase de efeito da cena, às vezes chamada de “som natural” ou som natural. Se a história for sobre um acidente de carro, o vídeo começa com o som de uma sirene. Se cobrirem a feira local, eles começarão com o mugido de uma vaca ou o som dos passeios de carnaval. A razão para isso é acostumar rapidamente o público ao cenário da história. Inconscientemente sinaliza ao espectador que “não estou apenas especulando sobre o que aconteceu, eu estava lá” e o faz de uma forma interessante. 

Existem dois tipos de “som natural”, diegético e não diegético, ou aqueles que existem dentro do contexto do vídeo e aqueles que existem fora dele. É mais fácil entender assim: imagine que tem um personagem e um rádio na tela e uma música tocando. Se o personagem consegue ouvir a música, a música é diegética. Se o personagem não consegue ouvir a música, a música é não-diegética. 

Mais do que apenas para a produção de filmes, essa diferenciação entre sons dentro e fora do contexto pode ser aplicada ao som natural em qualquer projeto de vídeo. A chave é a separação entre o mundo interno e externo do vídeo. Cada um sinaliza algo diferente para o público.

O que quero dizer com isso?

Se, ao filmar no local, você encontrar um guitarrista que esteja disposto a permitir que você as grave, faça-o sem hesitação e durante toda a duração da música. Na pós-produção, agora você tem uma escolha, mas antes não. Você sempre pode encontrar músicas online para tocar em seu projeto de vídeo, mas usar som natural pode adicionar um nível de autenticidade que você não conseguiria de outra forma. 

O design de som é uma área brilhante, mas os melhores designers de som trabalham com som natural.

Pirâmide de Importância Invertida

Aqui está outra consideração emprestada da escrita: não enterre o lede. Isso quer dizer que se a sua história é sobre o prefeito de uma cidade anunciando, enquanto visita o mercado local, que venderá as unidades de AC da biblioteca para arrecadar fundos para comprar lançadores de granadas para o departamento de polícia, não comece a história falando sobre as ofertas do mercado agrícola ou como o tempo estava bom!

Obviamente, este é um exemplo engraçado, mas você ficaria surpreso com a frequência com que vejo isso acontecer. Não enterre seu lede. Saiba qual é o aspecto mais importante da sua história e coloque-o em primeiro plano. Ao organizar seus vídeos em uma linha do tempo, considere a Pirâmide Invertida de Importância. Anote mentalmente a importância de cada clipe organizado. Então, ao iniciar seu primeiro rascunho, mova as fotos mais interessantes para a frente e as menos interessantes para o meio, mas certifique-se de guardar uma “pedra angular” para o final. 

A arma de Chekhov versus a bomba de Hitchcock

Este é um clássico, mas sempre vale a pena repetir. “A arma de Chekhov” refere-se a uma antiga regra prática de contar histórias que afirma que se você mostrar uma arma ao público no primeiro ato, no terceiro ela deverá ser disparada. Essa é uma boa maneira de verificar se sua história contém alguma gordura extra que possa ser cortada. Cada cenário deve ter um propósito. Cada linha de diálogo deve impulsionar a história. A menos que crie deliberadamente uma pista falsa, toda referência a um objeto, pessoa ou boato deve ter algum tipo de resolução. 

Adoro a interpretação de Alfred Hitchcock sobre esse aspecto da narrativa. Certa vez, ele disse para imaginar como alguém poderia tornar uma conversa chata no jantar mais chocante. Sua resposta foi mostrar ao público que havia uma bomba debaixo da mesa que explodiria em 5 minutos e que os personagens principais não perceberiam.

Agora, todos os diálogos anteriormente chatos têm peso, à medida que o jantar mundano do personagem desavisado assume uma nova dimensão de complexidade. Eles estão perguntando como está a salada e você grita para a tela para eles se levantarem e correrem!

Como editor, na maior parte das vezes, você controla as informações que seu público tem à disposição a qualquer momento. Use isso a seu favor, mas, mais importante ainda, não use isso a seu favor.

Confie no seu público

Ao contrário do sentimento popular, não acredito que o público moderno seja estúpido. Acho que ocasionalmente eles podem ser preguiçosos porque foram tratados como se fossem idiotas durante a maior parte dos últimos 40 anos. Você pode ver isso no ritmo dos filmes de algumas décadas atrás. 

Claude C. Hopkins disse sobre publicidade em seu livro clássico Scientific Advertising que não se deve escrever textos que tentem convencer alguém de por que deveria prestar atenção ao seu anúncio. Deve-se escrever um texto para alguém já interessado, porque se ele estiver lendo seu anúncio, já está interessado em algum nível. Acredito que esta seja uma excelente regra universal que pode ser aplicada a tudo, desde web design até criação de livros.

Menos geralmente é simplesmente menos, não mais. Vídeos curtos no estilo TikTok divertem brevemente, mas deixam a desejar.

Eles são consumidose não digeridos.

O mesmo acontece com um anúncio que minimizou o seu texto na crença de que o seu público é analfabeto e, no processo, alienou qualquer pessoa que gostaria de saber mais sobre o produto, mas não consegue encontrar detalhes adicionais. 

A pessoa moderna está ocupada e precisa de dinheiro, não é estúpida. Eles têm falta de atenção porque têm falta de tempo porque têm falta de dinheiro. Mas eles arranjarão tempo para aquilo que devolve o tempo às suas vidas, coloca dinheiro de volta nos seus bolsos ou coloca sonhos grandiosos de volta na sua imaginação.

Quero encerrar o boletim informativo desta semana com três dos meus conselhos favoritos quando se trata de criação de arte para “consumo” público. 

1. Não transmita a mensagem ao seu público. Dê-lhes as ferramentas e deixe-os juntar as peças. Imagine um tiroteio de desenho animado em que o bandido disparou cem tiros contra o herói, mas milagrosamente errou cada tiro, deixando apenas um contorno perfeito de buracos de bala na parede atrás deles. Essa é a melhor maneira de transmitir uma mensagem. Dê ao seu público todas as informações de que ele precisa para entender o que você quer dizer, mas deixe-o fazer a conexão final e ele se lembrará da sua arte para sempre. 

2. Sempre dê algo ao seu público em troca de seu tempo. O melhor conselho editorial que já recebi sobre algo que escrevi foi “Faça com que eu me importe porque, no momento, não me importo”. Infelizmente, suas criações só serão vistas por obrigação por alguns de seus amigos e familiares. Para atrair o resto do mundo, é preciso dar-lhes algo em troca de nada. Tem que ser mais do que apenas informações sobre você ou seu produto. Ofereça-lhes algo, mesmo que seja uma ideia simples ou um novo ponto de vista. Faça o trabalho de perna. Pesquise uma ideia ou explore um problema que eles possam estar enfrentando e simpatize, não apenas venda. Dê-lhes algo em troca de nada e confie que eles retribuirão o favor com sua preciosa atenção. Faça com que eles se importem.

3. Se você tratar seu público como idiotas, você apenas atrairá idiotas. Use referências literárias em seu anúncio de mecânica automotiva. Sísifo rolando pneus colina acima atrairá mais pessoas do que você imagina. Os clássicos são clássicos por uma razão. Bons motivos são bons motivos. Não reduza seu roteiro a um tamanho arbitrariamente curto se isso omitir uma boa redação! Não acredite no que as pessoas dizem sobre a capacidade de atenção de hoje, as pessoas reservam tempo para o que precisam. Seu objetivo como criador de arte deve ser entender os ciclos de hábitos em que as pessoas se encontram, por que elas se colocam neles, e então meditar sobre como você pode tirá-las desses ciclos e, de forma crítica, o que você fará por elas depois que eles forem quebrados. 

Confie no seu público e eles irão recompensá-lo por isso.

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Dica bônus

Em uma vida passada, como já mencionei, fui editor de vídeo em tempo integral. Não há nada que permita a uma pessoa analisar seu próprio fluxo de trabalho em busca de ineficiências, como fazer pequenos cortes durante 8 horas por dia, 5 dias por semana. Se você também é editor de vídeo e ainda faz seus cortes manualmente com atalhos de teclado, vou lhe contar um segredo que quintuplicou seriamente a velocidade da minha edição.

Ele vem com um programa que permite personalizar facilmente a função de cada um dos botões. Se você não gosta de personalização, ele também vem com predefinições para todos os principais programas de edição. Por exemplo, usei muito ao editar no Adobe Premiere. Eu configurei-o para onde girar a roda grande esfregasse rapidamente, o botão pequeno esfregasse com mais precisão, um botão iria reproduzir/pausar, um botão selecionaria tudo, um botão cortaria, um botão apagaria, etc. O melhor é que eu poderia configurá-lo para acionar atalhos personalizados, então, em vez de ter que fazer o atalho complicado para selecionar todas as faixas à direita do cursor, mapeei um dos botões para aquela combinação de atalhos difícil.

Sei que não parece muito, mas considere o seguinte: quantos cortes você faz em um determinado projeto de vídeo? Para mim, eu estava ganhando milhares. A maioria desses cortes levaria menos de um segundo para fazer, mas alguns dos mais complicados levariam alguns segundos. Com o tempo, esses cortes aumentam. Sem mencionar que às vezes é difícil fazê-los no teclado.

Se você conseguir fazer cada um desses milhares de cortes até mesmo uma fração de segundo mais rápido, isso fará sentido. Para mim, eu estava economizando cerca de 15 a 20 minutos a cada dois dias. As horas são salvas todos os meses. Você entendeu.

Não estou exagerando quando digo que investir em um controlador como esse reduziu meu tempo de edição pela metade, sem trocadilhos.

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Até a próxima, fique atualizado. 

-Casey